Dr. Danila Serafini

Ein klarliniges Profil, Farbe aus lebendig leuchtenden, fast frechen Tönen auf einer Oberfläche, die traditionsgemäß der Norm entsprechend, zart, fast demütig sein sollten, um das Volumenspiel nicht zu beeinträchtigen; doch gerade dies sind die Merkmale des „Stils", den der Bildhauer Wilhelm Senoner verfolgt. Die Form kommt in ihrer einfachen Beschaffenheit zum Ausdruck, sie ist im männlichen sowie im weiblichen Körpervollendet, frei von unnötigen Verzierungen, doch reich an „taktilen Werten", sinnlich und hieratisch zugleich. Die Glieder schlüpfen wie Überraschungen aus kräftig-kompakten Rümpfen, während die Haltung ein zartes, anmutiges Schamgefühl der Nacktheit offenbart.
Der Bildhauer sieht zum Beispiel bei der biblischen „Susanna“ die lüsternen Augen der Alten in Form eines Edelsteines am Finger der jungen Frau; die Hand liegt auf der Scham, Ort des Lebens und meist geschütztes weibliches Geheimnis. Oder er legt eine unwahrscheinliche Kopfbedeckung, seltsam und bizarr auf zurückgehaltene Gestalten. Oder einen Apfel auf die offene Hand, um eine schamhafte Eva aufzuspüren.

Er hobelt die grobe Oberfläche seiner Werke. Das Ergebnis: Weichheit, auf der die gleitende Hand irregeführt wird weil sie glaubt, lebendige Materie zu spüren. Die Holzskulpturen sind blau, rot, grün und rosa gekleidet; sie heitern auf, sie blenden mit der Intensität ihrer Farben; das Licht bewegt sich in matten Reflexen auf den herausragenden Partien; in den Hohlräumen verliert es an Härte und entwischt. In dieser Farbenvision, in dieser eroberten Linearität wird der Künstler von der gotischen transalpinen Bildhauerei unterstützt, die er studiert, nachgeahmt und - neue Lösungen anbietend - interpretiert hat. Diese weiblichen Gestalten legt er dann aufs Bett einer Bildtafel, er lässt sie zu einem Relief emportauchen, deutet Konturen und Gesten an, indem er sie aus der trägen Materie weckt, sie ruft und ihnen Leben einflößt. Die stehenden Posen - die klassischen und die revolutionären -, die Rhythmen des Herzens schweben zwischen Schwermut und bewusster Annahme der unver¬meidbaren Realität, der sanften und erfüllten Ruhe des gegenwärtigen Daseins, des Bestehens wodurch das Wunder und zugleich das Geheimnis des Lebens offenbart werden: das ist die Menschlichkeit die der Künstler formt.
In den Bildtafeln bestätigen die Sujets die kreative Erforschungsvielfalt, die den Menschen so wie die Natur berührt; sie werden in ihrem Realismus erkannt oder in Zeichen und Flecken umgesetzt: die Grapheme nehmen Konsistenz an, sie wölben das Bild auf, die Punkte stehen dicht aneinander, sind aber nichtverschmolzen, die Farbtöne stehen einander gegenüber und sind auf das Minimum reduziert; über das Ganze fließt der spontane Pinselstrich - lediglich vom unmittelbaren Eindruck erfüllt; dauerhaft bleibt jedoch der verzauberte, überraschte Blick. Wie in der „Winterlandschaft", von der ein weißer Himmel und eine weißbedeckte Erde erzählen; oder in den „Heugarben", wo in einer Ecke in Haufen gesammeltes Gelb Sonnenstrahlen einer unaufhaltbaren Helligkeit und Bewegungskraft darstellt.

„Wenn der Maler die Schönheiten sehen möchte, in die er sich verlieben wird, ist er auch im Stande sie zu schaffen“ (Leonardo da Vinci): das ist die wahre Magie, die nur Künstlern geschenkt wurde.